O Mensageiro, longa dirigido por Lucia Murat que chega aos cinemas nesta quinta-feira, retrata acontecimentos durante a Ditadura Militar no Brasil, que assombrou o Brasil entre 1964-1985. Apesar dos anos se passarem, infelizmente tais atos de horror e violência evidenciadas no filme, ainda ocorrem nos dias atuais em alguns locais do mundo. Então é bem doloroso de assistir a tudo mostrado nas telas, especialmente porque a diretora, que foi presa e torturada na época, traz um olhar de vivência bem forte e angustiante.

A trama desenvolve histórias de pessoas que foram afetadas naquela época, nos apresentando Vera (Valentina Herszage), aprisionada em um porão de uma fortaleza militar para sofrer tortura física e psicológica por ser uma presa política durante a ditadura, e Armando (Shi Menegat), um jovem soldado que residia no Sul do país, mas acaba indo servir nas bases do Rio de Janeiro. Lá ele conhece Vera e passa a acompanhar de perto todas as atrocidades que ela sofre. Comovido com a situação, Armando se propõe a levar uma mensagem para a sua família, que busca incessantemente o paradeiro da mesma.

O cabo acaba conhecendo D. Maria (Georgette Fadel), mãe de Vera, e os dois constroem uma amizade bem improvável, já que a única coisa que ele pode fazer para ajudar no meio de toda essa repressão, é levar as mensagens, mesmo em meio a todos os riscos. Mas apesar dos horrores do tempo, é bem interessante a possibilidade de diálogo entre uma senhora de alta classe média e um jovem de origem rural, que acabam de fato criando laços afetivos.

De forma fluída, o filme aborda temas que não são muito citados e debatidos, mas sim jogados para debaixo do pano, como forma de esquecimento. Além disso, trabalha também a solidão e a solidariedade em meio a aterrorizante condução da ditadura, por meio de uma mãe perdida dentro de um casamento ilusório, que está em uma agonizante busca de sua filha, e um soldado solitário e perdido, que tem questões morais e não sabe como escolheu servir ao exército em tais condições monstruosas.

O encontro dos personagens se dá por meio de solidariedade e dor. Com cenas que nos possibilita vivenciar raiva, medo e comoção, percebemos ainda que no desenvolver de tanta barbárie, nasce ocasiões de humanidade e bondade. Mas, é claro que não deixa de destacar as questões psicológicas, os conflitos internos e momentos obscuros, pois sempre há um debate interno entre o bem e o mal, além de influências do ambiente em que se ocupa. Essa reflexão é um dos pontos altos do filme!

Créditos: Divulgação / Imovision

Com roteiro do italiano Alberto Marini e direção do trio de cineastas canadenses RKSS Film (Yoann-Karl Whissell, Fraçois Simard e Anouk Whissell), Hora do Massacre inicialmente aborda o tema do ativismo ambiental, praticado por um grupo de adolescentes que luta pela causa do desmatamento, que ocasiona inúmeras mudanças climáticas e a morte de centenas de animais.

Movidos por essa causa, eles tentam fazer justiça com suas próprias mãos e invadem uma loja de móveis para protestarem, vandalizando com pichações por toda parte com palavras de protestos, deixando o local numa perfeita desordem e evidenciando a passagem deles por lá.

Mas o que era para ser uma noite de protestos, acaba se tornando uma tremenda luta por sobrevivência quando o grupo é flagrado pelos dois seguranças da loja, Andy (Aidan O’Hare) e Tuly (Turlough Convery), um caçador primitivo nato. A partir daí o ativismo acaba, dando lugar para uma caçada humana e um tremendo massacre, que geram bastante tensão – ainda mais com o jogo de câmeras e trilha sonora.

O grupo de adolescentes em si não tem muita narrativa ou importância, comparado com o caçador e grande vilão da trama. É o conceito de sempre: adolescentes bobos sendo dilacerados por um adulto em um jogo de perseguição sangrenta, num ciclo interminável onde o caos domina. Isso faz a mensagem ativista e política perder relevância, porque não há desenvolvimento algum e sequer narrativa paralela para prender a atenção. É apenas um filme de ação brutal e frenético, com um assassino implacável, pouco desenvolvido e sem motivações.

Tirando a criatividade das armadilhas que o caçador usa para matar os jovens, o filme não entrega nenhuma inovação relacionada ao gênero slasher. Não há divisão de torcida entre a sobrevivência dos jovens e a contínua carnificina do caçador, o que deixa o final previsível. Com atuações medianas, roteiro superficial e nenhuma inovação, Hora do Massacre não entrega o que promete, o que é um verdadeiro desperdício.

Créditos: Divulgação / Imagem Filmes

Após a morte de um ente querido, que ao mesmo tempo não é tão querido assim, as irmãs Penélope (Luciana Paes) e Joana Caldas (Thati Lopes) saem em busca de uma herança familiar, a preciosíssima cachaça ‘Saideira’, dita como a melhor do mundo.

Elas viviam longe uma da outra há cerca de 10 anos, mas essa viagem inusitada as une novamente. Ao longo da aventura, graças a esta caça ao tesouro, vão surgindo também várias descobertas familiares, desentendimentos, diferenças e reviravoltas, a fim de debater estilos de vida e escolhas.

Com direção de Júlio Taubkin e Pedro Arantes, a premissa do filme cativa, mas o desenvolvimento da história é arrastado e o roteiro não prende. Além disso, embora as atrizes principais entreguem uma ótima atuação, com personagens extremamente opostas, elas não conseguem salvar o filme, justamente pelo desenvolvimento e falta de motivações. O gênero do filme é comédia/drama, mas são raras as vezes em que se encontra motivos para sorrir e se envolver com a trama.

Vale ressaltar que um ponto de destaque é a fotografia do filme, que está lindíssima. A aventura desbrava algumas cidades deslumbrantes dentro do Brasil, que contém paisagens de tirar o fôlego. Dá para notar que o enredo foi construído para evidenciar esses cenários, assim como a cultura e os costumes locais. A jornada é, de fato, o que há de mais interessante na trama de Saideira, que chega aos cinemas nesta quinta-feira!

Créditos: Divulgação / Elo Studios

Teca e Tuti: Uma Noite na Biblioteca estreia amanhã nos cinemas de todo o Brasil. Dirigido pelo trio Diego M. Doimo, Eduardo Perdido e Tiago Mal, o filme levou mais de 10 anos para ser produzido, misturando diferentes técnicas de animação e live action, como o stop motion – técnica na qual tudo acontece através de sequências de fotografias, com bonecos articulados em cenários construídos e montados dentro de um estúdio, como um verdadeiro set de filmagens em miniatura.

A história acompanha Teca (uma traça) e seu fiel amigo Tuti (um ácaro), que juntos partem numa grande aventura na biblioteca. Vinda de uma família de traças que devoram livros, a protagonista muda sua forma de pensar e acaba se apaixonando pelo universo da leitura, ao descobrir a importância dos livros e de não destruí-los.

Em um mundo onde a tecnologia avança cada vez mais rapidamente, visto que a maioria das coisas são feitas por ou através dela, as crianças estão adquirindo mais e mais contato com as telas de eletrônicos. Um filme que enfatiza a leitura de um livro é de suma importância para o conhecimento e os dias atuais. Ao incentivar o aprendizado da leitura, mostra como um livro pode ser transformador.

O filme conta com altas aventuras, mistérios, descobertas e aprendizados que causam muita alegria e comoção no decorrer da história. A animação está muito fofa e bem ilustrada, trazendo mensagens lindas e, ainda, uma trilha sonora bem pensada e elaborada, com músicas instrutivas e bem fáceis de decorar, pois ficam na cabeça.

Sem dúvidas, Teca e Tuti: Uma Noite na Biblioteca surpreende e é uma ótima escolha de filme para as crianças assistirem (e também vai agradar os adultos, é claro!), não só pra divertir e entreter, como também para aprender sobre importantes coisas da vida e do crescimento.

Créditos: Divulgação / Vitrine Filmes

Caminhos Cruzados realmente caracteriza o título da obra dirigida e roteirizada por Levan Akin, que chega nos cinemas de todo o Brasil nesta quinta-feira, por meio de uma parceria entre a MUBI e a O2 Play. A narrativa traz um drama muito bem roteirizado, que a princípio desenvolve o seu primeiro ato na Geórgia, mas logo após redireciona os personagens para a Turquia.

O longa é protagonizado por Lia (Mzia Arabuli), uma professora já aposentada, que tem a missão de cumprir o último desejo de sua irmã recém-falecida: trazer Tekla de volta para casa, sua sobrinha trans, que foi rejeitada pela família após realizar a transição e se viu obrigada a ir embora.

Lia embarca numa busca esperançosa para encontrar Tekla em seu país Natal, e durante a procura, ela acaba conhecendo Achi (Lucas Kankava), amigo e ex-vizinho de sua sobrinha, que lhe informa que ela mudou para Istambul. Ao perceber que Lia está determinada a ir atrás da sobrinha e com o intuito de sair do país, Achi se oferece para ser o seu intérprete durante a viagem, pois ele compreende um pouco de turco e aprendeu inglês, assistindo vídeos do Youtube.

O que era para ser uma viagem de reencontro entre duas pessoas da mesma família, acaba se tornando uma viagem de muitas reflexões, aceitações e conexões inesperadas com pessoas antes desconhecidas, que acabam criando um grande vínculo afetivo através desses cruzamentos de vidas e histórias surpreendentes.

Apesar de ser um drama forte, complexo e emocionante, existem pontos cômicos em algumas cenas, deixando o enredo ainda mais cativante e lembrando os espectadores que nem tudo é tristeza dentro da trama. Assim como acontece na vida, em toda jornada há traços de esperança.

No decorrer da história, com todos os desafios e dificuldades na busca, o filme consegue ainda envolver e trazer afinidade com os personagens e suas respectivas histórias de vida. Mostrando a dor do abandono, por diferentes pontos de vista.

A atuação de todo o elenco é convincente, e a atriz Mzia Arabuli transmite com muita clareza as sensações que sua personagem está tendo que lidar, como tristeza, arrependimento, sofrimento e força de vontade. A determinação da tia para conseguir encontrar sua sobrinha é comovente, sem medir esforços para poder cumprir o último desejo de sua irmã. Assim como toda dor e rejeição das pessoas da comunidade LGBTQA+ que são negligenciadas.

Caminhos Cruzados cativa e deixa a importante mensagem sobre se encontrar no mundo. Ainda que perca coisas e pessoas no processo, vale tentar e celebrar a beleza única de ser quem é, encontrando afeto e o seu próprio caminho para ser feliz.

Créditos: Divulgação / MUBI / O2 Play

Luccas e Gi em: Dinossauros, nova aventura estrelada por Luccas Neto, estreia nesta quinta-feira (11) nos cinemas, para agitar as férias da criançada. Produzido pela Luccas Toon Studios e pela Take4Content, com distribuição da H2O Films, o longa conta com direção de Leandro Neri (Príncipe Lu e a Lenda do Dragão), que assina o roteiro ao lado de João Costa Van Hombeeck (Detetives do Prédio Azul) e Henrique Freitas (A Família Craft).

Na trama, Luccas e Gi Alparone são irmãos. Eles decidem partir em uma aventura, junto com sua melhor amiga Camila, interpretada por Roberta Piragibe, para conhecer um novo parque de diversões com famosas réplicas de dinossauros, onde encontram: diversão, mistérios para serem desvendados, aprendizados e muitas descobertas.

O grupo acaba entrando em uma grande enrascada, após descobrirem os planos de uma cientista ambiciosa e sem escrúpulos que quer trazer os dinossauros de volta à vida – custe o que custar. Com a ajuda de um paleontólogo com fama de maluco e de dois agentes muito atrapalhados da CIA, Miguel (Júlio Levy) e Pereira (Alan Rocha), Luccas precisará fazer de tudo para salvar a irmã das garras da vilã, que planeja usá-la como cobaia em suas terríveis experiências.

Além da dupla protagonista, grande destaque é dado para a dupla de vilãs: Sabrina e Dra. Litza, interpretadas por Bruna Griphao e Juliana Knust. Elas são representadas de forma bem caricata e exagerada, como num desenho animado.

A narrativa é cheia de reviravoltas, perigos, ação e, é claro, muito humor. Tendo o público infantil como alvo, a trama é simples e de fácil compreensão. Muitas cenas e até atuações são um tanto piegas e forçadas. Além disso, os principais personagens da história são jovens adultos representados de forma bem infantilizada, com falas e caracterizações que claramente destoam de uma pessoa mais madura.

Visto que o público alvo já está acostumado com as histórias, trolagens, piadas e o ‘jeitinho’ de Luccas Neto, isso não deve ser um problema – ainda mais porque a própria produção leva tudo na brincadeira. Ao trazer a história adiante como uma marca 100% fiel ao público infantil, tudo se encaixa no propósito de agradar e entreter (somente) o público composto pelos milhares de fãs consagrados de Luccas Neto e seus amigos.

Créditos: Divulgação / Luccas Toon / H2O Films

MaXXXine, longa dirigido por Ti West que chega aos cinemas brasileiros no dia 11 de julho, traz um belo desfecho para a trilogia “X”, que conta com “Pearl” (2022) e “X – A Marca da Morte” (2022). O longa conta a história da única sobrevivente de um terrível massacre, que a todo custo tenta realizar seu maior sonho: se tornar famosa, para que todos conheçam seu nome. 

Maxine passa em um teste de atriz protagonista para estrelar um filme. Enquanto ela se prepara para assumir de vez a carreira e realizar seu maior sonho, em paralelo, assassinatos misteriosos e assustadores começam a ser cometidos por um serial killer desconhecido, chamado de ‘Night Stalker‘ pelos noticiários e pela polícia de Los Angeles. 

O elenco e as atuações estão impecáveis, com grande destaque para a protagonista Mia Goth (neta da atriz brasileira Maria Gladys), que brilha em seu papel como Maxine Minx – desde a caracterização, com uma postura autoconfiante e misteriosa, até o sotaque muito bem executado e inconfundível de uma texana.

Toda a história se passa na década de 80, o que é evidenciado através dos figurinos, cenários, trilha sonora e fotografia. Realmente parece que estamos assistindo à um filme de terror de época. O roteiro é bem idealizado, com uma narrativa bem estruturada. O suspense e o mistério prendem do começo ao fim. Há ainda algumas sacadas cômicas que arrancam risos genuínos, utilizadas na medida certa. Levando em consideração todas essas premissas, além de um final pra lá de intrigante, MaXXXine vai agradar!

Créditos: Divulgação / Universal Pictures

Dos produtores de “Atividade Paranormal” e “Noites Brutais”, Entrevista com o Demônio (Late Night With The Devil), um dos filmes de terror mais aguardados do ano, chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira, dia 4 de julho, com distribuição da Diamond Films e direção de Colin Cairnes e Cameron Cairnes . Com classificação indicativa de 16 anos, a trama se passa em uma noite de terror na TV, no qual o programa “Night Owls” com Jack Delroy (interpretado por David Dastmalchian) encontra o sobrenatural em plena noite de Halloween.

O longa destaca um apresentador completamente desesperado e aflito após a trágica morte de sua esposa, que está em busca de uma salvação para a audiência de seu programa, cada vez mais em declínio. Ignorando os sinais sobrenaturais que vão surgindo no decorrer da atração, em plena noite de Halloween, Jack resolve aceitar entrevistar uma pessoa possuída ao vivo. O que começa como uma noite de entretenimento, se transforma em um verdadeiro pesadelo ao vivo.

É sensacional a ideia de criar um filme com a dinâmica sendo conduzida por um talk show, em que há a ilusão de duas telas sendo exibidas simultaneamente, o que dá a sensação de estarmos em casa assistindo TV, sentados no sofá. Além disso, os diálogos e olhares dos personagens são voltados diretamente para a câmera, conversando diretamente com o espectador bem no estilo “Fleabag”. Essa quebra da quarta parede prende completamente a atenção, já que na maioria dos filmes é mais comum que as cenas aconteçam à medida que os personagens criam um diálogo entre si, enquanto a câmera passa despercebida.

Atritos e discussões são sempre ótimos aliados para que a narrativa siga de forma crescente em qualquer filme. Em Entrevista com o Demônio, os conflitos existentes entre as diferentes personalidades dos personagens causam muita tensão e aflição. Parece que a qualquer momento vai sair uma briga muito séria entre eles, então não podemos desgrudar os olhos da tela para não perder nenhum minuto – algo bem comum no dia a dia, afinal ninguém desliga a TV numa briga, muito pelo ao contrário, muita das vezes queremos que aumente o volume para ficarmos bem mais ligados nas cenas seguintes. Ainda assim, embora o primeiro ato do filme seja arrebatador, no segundo há um declive generalizado, cansando e empobrecendo a dinâmica da narrativa.

No filme há uma troca de cores de fotografia interessantíssima. Entre o programa e os bastidores existe uma diferença notável, pois enquanto a atração está no ar a cena é transmitida em cores, mas quando está passando o por trás das cenas, é transmitido em preto e branco. Algo que faz até lembrar as escolhas realizadas na produção de “Oppenheimer”.

Outro grande destaque vai para o protagonista David Dastmalchian, que conduziu sua performance brilhantemente como um apresentador de um talk show dos anos 70, gerando nostalgia. No geral, com boas reviravoltas, Entrevista com o Demônio é diabolicamente inteligente, cumprindo a proposta de entreter e inovar no gênero.

Créditos: Divulgação / Diamond Films

O filme, estrelada por Lupita Nyong’o e Joseph Quinn, retrata a temível chegada dos alienígenas à terra, mais precisamente na cidade de Nova Iorque, grande foco de toda a trama. Logo de início somos informados de que a vida na metrópole seguia normalmente, mas o que as pessoas não esperavam era que uma das cidades mais barulhentas do mundo estava com os dias contados e, de uma hora pra outra, ela seria tomada por monstros sensíveis a sons, que iriam destruir e matar tudo em seu caminho, caçando através do menor sinal de barulho – algo totalmente fatal.

A trama explica bem onde e como começou essa terrível invasão. Mas ainda que falte maiores explicações sobre as criaturas, como objetivos e verdadeira origem, a jornada é extremamente tensa e assustadora, já que todo som que as pessoas conheciam, acabou se transformando em um silêncio ensurdecedor e aterrorizante, decorrente do simples e mais importante fato: sobrevivência. Cercados por destruição e uma quantidade infinita de monstros, os personagens lutam pela vida enquanto se despedem de tudo que conhecem.

Um Lugar Silencioso: Dia Um já é um dos melhores blockbusters do ano! É um drama com terror psicológico muito bem feito. A construção e desenvolvimento da história e dos personagens principais conseguem envolver do começo ao fim. Os momentos de aflição e sofrimento, já comuns na franquia, estão cada vez mais presentes. Porém, aqui, além dos sustos, o suspense ganha espaço para emoções surpreendentes.

É de fato, uma história muito tocante – com grande destaque para a caracterização e atuação de Lupita Nyong’o. A atriz vencedora do Oscar está excepcional como Sam, uma jovem com câncer terminal, querendo sobreviver o suficiente para conseguir se despedir. Suas cenas são sempre muito fortes e arrebatadoras, causando grande emoção. Quando contracena com Joseph Quinn, é um verdadeiro deleite. O ator interpreta Eric, um personagem complexo, sempre em crise, mas encantador e cheio de surpresas.

Assistir os filmes anteriores é bom para entender melhor o contexto de Um Lugar Silencioso: Dia Um, porém não é algo indispensável, visto que o prelúdio tira o foco da família Abbott e cria a narrativa do zero, toda em volta dos novos protagonistas e da cidade em ruínas. Essa nova proposta é um grande acerto dos produtores e da direção. Deixando, no fim, indagações e teorias, que talvez possam ser respondidas em um outro filme, quem sabe…

Créditos: Divulgação / Paramount Pictures

Imagina você ser mandada para um hospício, apenas por ter engravidado antes de se casar…

Com roteiro inspirado no livro “Holocausto Brasileiro”, da jornalista Daniela Arbex, Ninguém Sai Vivo Daqui acompanha a jornada de Elisa (Fernanda Marques), uma jovem que engravida do namorado e é internada à força pelo pai em ‘Colônia’, o Centro Hospitalar Psiquiátrico de Barbacena (MG). 

No começo dos anos 70, engravidar antes do casamento era algo inaceitável e altamente repudiado. Com consentimento do Estado, o hospital ‘Colônia’ era, inclusive, o destino para todo tipo de gente considerada fora dos padrões sociais. No filme, após passar por diversos abusos, Elisa, junto com outros colegas injustiçados, lutam para encontrar uma maneira de fugir desse inferno, onde eram submetidos a todo tipo de tortura e violência, e ainda passavam frio e fome.

Com direção de André Ristum, o filme chega aos cinemas brasileiros no dia 11 de julho, retratando histórias de pessoas reais, que realmente vivenciaram e sofreram com este genocídio. A trama mostra e descreve como as atrocidades aconteciam, trazendo ao espectador várias sensações, dentre elas: desconforto, indignação, tristeza e impotência. Os sentimentos são mais evidenciados devido a escolha de fotografia em preto e branco, que se une ao fato da própria vida dos personagens não ter qualquer brilho ou cor. É realmente desesperador e impactante! 

A narrativa é bem construída, com atuações que convencem e nos fazem mergulhar na história e em todo o contexto apresentado na tela. Os ambientes hostis onde as cenas se desenvolvem são capazes de trazer desespero, como se estivéssemos dentro dos ambientes apresentados, imersos de tal modo que queremos correr para longe e não estar mais ali, na sala de cinema. Além disso, o longa deixa espaço para reflexão, pois por mais que aborde uma época já passada, onde mais de 60 mil pessoas morreram, atos extremamente cruéis ainda se repetem ao redor do mundo nos dias atuais.

Créditos: Divulgação / Gullane